15 novembre 2009
Travail en cours : Pierres en Négatif / Work in progress : Stones in Negative
Untitled. Travail en cours / Work in progress. 65 x 45 cm (25,6" x 17,7"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Je travaille actuellement un paysage de bord de mer à l'aquarelle. Voici quelques étapes de mon processus de travail. Pour représenter les pierres situées sur la plage, j'ai choisi d'alterner les techniques du Positif et du Négatif. En effet, cette association offre une multitude de possibilités de design et contribue à créer forme et profondeur. Elle améliore également l'apect réaliste du sujet et permet de belles variations de couleur, d'espace et de texture tout en gardant une part d'abstraction.
La technique du Négatif offre de nombreux avantages. Je vous invite à les découvrir en lisant cet article. Vous y trouverez également une petite vidéo qui illustre comment peindre les pierres en Négatif.
Morceaux choisis / Chosen pieces :
Untitled. Travail en cours / Work in progress. 65 x 45 cm (25,6" x 17,7"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
I am currently painting a marine landscape in watercolour. Here are some steps of my painting process. To depict the stones on the beach, I have chosen to alternate the Positive and Negative techniques. Indeed, this combination offers many possibilities of design and contributes to create depth and contour. This also improves the realistic look of the stones and enables nice variations of colour, space and texture while keeping some abstraction.
The Negative technique offers many advantages. I invite you to discover them by reading this article. You will also find a video that illustrates how to paint stones in Negative.
> Etape précédente / Previous step.
11 novembre 2009
Les Avantages du Négatif en Aquarelle / The Advantages of Negative Space in Watercolour
J'ai déjà abordé la notion de la Peinture en Négatif lors de précédents articles (Cliquez ICI pour une introduction à la technique du Négatif). Très simplement, l'utilisation de cette technique signifie que, pour représenter un sujet, l'artiste applique de la couleur autour de celui-ci et laisse apparaître des zones plus claires qui vont en préciser la forme. Le procédé semble difficile mais, avec le temps et la pratique, il ne s'avère pas plus compliqué que de peindre directement le sujet (peindre en positif). De plus, la Peinture en Négatif offre de nombreux advantages :
- Premièrement, la peinture en négatif crée des zones claires qui offrent un certain espace libre au tableau et le laissent respirer ou, en d'autres mots, qui permettent au spectateur de voir ou imaginer ce qui n'apparaît pas directement.
- Deuxièmement, la variété de formes et de tailles des éléments peints en négatif apportent de l'intérêt au tableau et ajoute une qualité de design qui confère à la fois direction et mouvement aux formes peintes en positif.
- Ensuite, cette technique permet au peintre de travailler à l'aide d'aquarelle pure et transparente sans blancs ajoutés. En effet, en raison de sa nature opaque, la peinture blanche diminue l'intensité de la couleur et sa transparence. Le Négatif offre les passages de valeur les plus riches en termes d'intensité couleur et de luminosité.
- Ce procédé implique aussi davantage de spontanéité que le recours à différents médiums pour aquarelle (fluide de masquage, ...)
- De plus, lorsqu'un artiste peint en négatif, il utilise l'hémisphère droit de son cerveau. A cet instant, la coordination entre l'oeil et la main est à son paroxysme.
- Enfin, travailler dès le départ en négatif permet à l'artiste de prendre des décisions globales ayant attrait au design au meilleur moment, c'est-à-dire dès le départ.
Cet exemple présente comment peindre des pierres en Négatif (2009)
This example shows how to paint stones using the Negative Technique (2009)
I already brought up the notion of Negative painting in previous articles (Please, click HERE for an introduction to the Negative space). Put simply, using this technique means that to depict an subject, the artist applies colour around it and leaves the light areas showing. These light areas will specify its shape. This painting-process seems arduous, but, with time and practice, is no more difficult than directly painting a subject (by using the positive technique). Moreover, Negative painting offers many advantages :
- Firstly, negative painting creates blank areas that provide room to the painting and let it breathe or, in other words, that allow the viewer to see or imagine something that is not there.
- Secondly, the variety of shapes and sizes in negative elements gives interest to the painting and adds a quality of design that confer direction and movement to the positive shapes.
- Then, this technique enables the painter to paint with pure and transparent watercolour without added whites. Indeed, white paint deadens chroma and transparency when added to any colour because of its opaque nature. Negative painting offers the most chromatic and beautiful light value passages.
- This process also implies more spontaneity than using several watercolour mediums (f.g. art masking fluid, ...)
- Moreover, when an artist is painting negative shapes, he uses the right side of his brain. During this moment, his hand-eye coordination is at its best.
- Finally, when dealing with negative shapes from the very beginning, the painter takes global design decisions at the best possible time : from the start.
30 octobre 2009
Second essai / Second try : Saint-Ives
Vous souvenez-vous de cette aquarelle peinte au format carte postale, "Saint-Ives" ? J'ai choisi de m'accorder un second essai pour ce sujet, tout d'abord parce que j'affectionne énormément l'endroit et, deuxièmement, parce que je souhaite travailler à plus grande échelle. En effet, le format original mesurait seulement 15,5 x 10,5 cm et ne permettait pas énormément d'expérimentations couleurs et techniques. La taille de ce nouveau tableau est de 65 x 45 cm.
Sur la photographie ci-dessous, vous pouvez observer le dessin sur papier Arches (seuls les bateaux ont été définis de manière très succinte), la photographie originale, le premier essai à l'aquarelle ainsi qu'un carnet de notes. Etant donné que je n'utilise jamais de couleur directement sortie du tube, je me dois de retenir chacun de mes mélanges ... Mais la mémoire n'est pas faculté infaillible. J'ai donc pris le pli de consigner les étapes de mon processus de travail dans ce carnet, ainsi que chacune de mes observations au sujet du comportement des pigments et de leurs réactions une fois en contact les uns avec les autres. Cet outil précieux me permet également de me remémorer les problèmes auxquels je me suis trouvée confrontée ainsi que la manière dont je suis parvenue à les résoudre. Vous l'aurez compris, ces quelques pages constituent peut-être mon plus cher trésor ...
Untitled. Travail en cours / Work in progress. 65 x 45 cm (25,6" x 17,7"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Do you remember this handpainted watercolour postcard, "Saint-Ives" ? I have decided to give a second try to this subject, firstly because I am fond of the place and, secondly, because I wish to work on a larger scale. Indeed, the original format was only 15,5 x 10,5 cm (6" x 4") and didn't allowed a lot of colour and technique experimentations. The size of this new painting is 65 x 45 cm (25,6" x 17,7").
On the picture above, you can observe the drawing on Arches paper (only the boats are briefly depicted), the original photograph, the handpainted watercolour postcard and a notebook. As I never use pigments directly from the tube, I must remember each of my watercolour mixings ... But memory is never infallible. So, I am used to record the steps of my painting processes in this notebook, as well as each of my observations about the pigments behaviour and their reactions once they come in contact with each other. This precious tool also enables me to recall the obstacles I was confronted with and how I found some ways to solve them. As you must have understand, these little pages are maybe my most valuable treasure ...
27 juillet 2009
Stage avec / Training course with ... Odette Feller
"Solutions pour les mélanges de couleur : le secret des foncés transparents", voilà l'intitulé du stage proposé par Odette Feller ces 16 et 17 juillet. Une fausse croyance, pourtant répandue, consiste à penser que les foncés s'obtiennent en utilisant du noir (ou une Teinte Neutre, ou un Gris de Payne). Une autre erreur courante est de réutiliser le même pigment pour composer un foncé. Le résultat ? Un tableau terne, avec risques d'opacité ou de saturation.
Les meules de foin. 16 x 23,5 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
C'est ce que montre et démontre Odette Feller. Son propos théorique est illustré par de nombreux exemples et ensuite mis en pratique. La réussite des foncés s'obtient tout d'abord par un bon dosage de la quantité d'eau présente à la fois sur la feuille mais aussi sur le pinceau. Il convient également de monter dans la couleur plutôt que d'appliquer successivement des mélanges de nature identique. Le résultat est à la fois intense et lumineux.
Terres d'Automne. 16 x 23,5 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Depuis de nombreuses années, Odette manie l'aquarelle avec passion, tirant parti des défauts mais aussi des qualités de ce médium tout en jouant sans retenue dans l'eau et les espaces libres qu'il lui offre. Elle applique la théorie de la couleur développée par son époux, Roland Palmaerts, et l'adapte à sa propre technique. Son talent de coloriste, sa maîtrise des mélanges et du négatif, nous offrent de superbes oeuvres, qui associent à la fois liberté de mouvement, de couleurs et de formes.
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10 mai 2009
Ambiance Nuit / Night Atmosphere : Roland Palmaerts
Roland Palmaerts, photo Monique Reifenberg.
Les 2 et 3 mai derniers, j'ai participé au stage de Roland Palmaerts : Ambiances nocturnes et passages du clair-obscur. Le clair-obscur est un terme artistique qui désigne le contraste entre l'ombre et la lumière. Il décrit généralement les contrastes audacieux qui peuvent affecter toute une composition mais est également utilisé par des artistes pour dépeindre des effets lumineux, allant de la valeur la plus claire à la plus sombre, afin de créer une illusion de profondeur et/ou d'objets tri-dimensionnels. Ce procédé a été mis au point dès la Renaissance mais fut porté à son apogée par Le Caravage et ses suiveurs, puis par des peintres des écoles du nord, notamment Rembrandt ou William Turner.
On 2nd and 3rd May, I attended to Roland Palmaerts's workshop : Night atmospheres and Chiaroscuro (Italian for light-dark). Chiaroscuro is a term in art for a contrast between light and dark. The term is usually applied to bold contrasts affecting a whole composition, but is also more technically used by artists to create a gradual gradation from light to dark values in order to give the illusion of depth and/or three-dimensional objects. This technique was concieved during the Renaissance but reached its apogee thanks to The Caravagge and his followers, then by painters from Northern schools, as Rembrandt or William Turner.
Red Light. 26 x 36 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Roland Palmaerts nous a montré comment transposer, à l'aquarelle, cette technique principalement utilisée en peinture à l'huile. En effet, une multitude d'effets lumineux peuvent être créés selon le choix des couleurs et des types de pigment, de leur conditionnement, de la prise et de la pose de ces mêmes couleurs en fonction du degré d'humidité du papier et de la quantité d'eau présente dans l'outil.
Roland Palmaerts showed us how to transpose this technique, mainly used in oil painting, to watercolour. Indeed, a multitude of light effects can be created according to the choice of colours and types of pigment, the choice of their packaging, the way the artist take and lay down colour depending on the stage of paper wetness and the amount of water in the brush.
Moonlight. 24 x 24 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Les deux aquarelles présentées ci-dessus ont été réalisées durant le stage, en un seul temps de séchage. Cela implique une bonne connaissance des différents stades de l'humidité du papier, un bon dosage de l'eau et de la couleur, de manière à obtenir les bons effets au bon moment.
Both watercolours shown above were painted during the workshop, in one step only. This implies a good knowledge of the different stages of paper wetness, a good proportioning of water and colour, in order to obtain the right effects at the right time.
06 mai 2009
Jonquilles / Jonquillas (WIP 2/2)
Les premières étapes de mon travail m'ont permis de définir l'atmosphère globale de ce tableau : un arrière-plan, froid mais poétique, qui fait naître de lumineuses jonquilles.
Je continue à travailler en négatif et souligne davantage de feuilles à l'aide de glacis successifs à base de bleus et de violets de plus en plus sombres. Ce procédé confère une sorte d'abstraction figurative à mon tableau et en rehausse les contrastes. Le travail en négatif de l'arrière-plan est à présent terminé.
Je commence à peindre les jonquilles en positif, à l'aide de Jaune Citron et Cadmium. Les ombres sont traitées avec le même mélange bleu que celui utilisé pour l'arrière-plan, mais bien plus dilué. J'alterne les techniques du positif et du négatif pour représenter chaque pétale. Enfin, j'ajoute les derniers détails.
Cette aquarelle terminée vous est présentée ici.
"Jonquilles Sauvages", WIP, Aquarelle / Watercolour. 15,5 x 10,5 cm (6" x 4"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction is strictly forbidden.
The first steps of my work enabled me to depict the global atmosphere of this painting : a cold but poetic background from which luminous jonquillas are bursting into life.
I continue to work in negative and delineate more leaves with successive glazes of blues and dark violets. This process gives a kind of figurative abstraction to my painting and enhances its contrasts. The negative work of the background is done.
I begin to paint the jonquillas in positive with Lemon and Cadmium Yellow. Umbers are painted with the existing blue mix of the background, but more diluted. I alternate positive and negative techniques to depict each petal. Finally, I add the last details.
The completed painting is presented here.
30 avril 2009
Jonquilles / Jonquillas (WIP 1/2)
Je souhaite partager avec vous le pas-à-pas de ma dernière aquarelle, "Jonquilles Sauvages". Vous trouverez donc ici les deux premières étapes de mon travail.
Je protège les points lumineux à l'aide du film de protection liquide Schmincke, ensuite je sature en eau le recto de mon papier. J'établis un premier lavis aux teintes douces, en utilisant une combinaison de 3 couleurs (Blockx) : Jaune Citron, Terre de Sienne Naturelle et Bleu Céruléum.
Je dépose les premiers "calques" de couleur à l'aide des teintes dont je me suis servie pour le lavis initial, additionnées de Violet d'Outremer. Je travaille de l'avant-plan vers l'arrière-plan en prenant soin de laisser sécher chaque glacis avant d'appliquer le suivant. Je peins en négatif tout autour des fleurs et comme vous le voyez, les premières formes commencent à apparaître.
"Jonquilles Sauvages", WIP, Aquarelle / Watercolour. 15,5 x 10,5 cm (6" x 4"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction is strictly forbidden.
I wish to share with you the work-in-progress of my latest watercolour, "Narcissus Jonquillas". Here, you will find the two first steps of my work.
I protect key whites with Schmincke's liquid frisket, then I saturate the front of the paper with water. I lay a foundation of soft tints, using a combination of Blockx watercolours : Lemon Yellow, Row Sienna and Cerulean Blue.
I establish the first layers of colour using the existing hues of the underpainting and Ultramarine Violet. I work from the foreground to the background and let each layer dry before applying the next glaze. I paint in negative all around the flowers and, as you see, the first shapes begin to appear.
12 avril 2009
La Belle Oubliée : WIP (3/4)
Voici la troisième étape de mon travail. Dans un premier temps, de pâles lavis colorés à base de Terre de Sienne Naturelle sont appliqués sur la figure de proue. (Voir l'étape 2.)
Pour définir l'ensemble des formes féminines ainsi que le drapé de la robe, je commence à travailler en négatif. Comme vous pouvez le voir, j'obtiens un résultat transparent alors que j'utilise principalement des couleurs minérales et sédimentaires. Je n'ai ajouté qu'une seule teinture : le Magenta Quinacridone (PR122). En effet, il est une fausse idée reçue de penser que seuls les pigments transparents sont requis pour peindre des aquarelles transparentes. Des pigments opaques, semi-opaques ou semi-transparents peuvent produire un résultat tout aussi lumineux et transparent, à condition d'être utilisés et dilués correctement.
Enfin, j'ajoute quelques détails et projections pour représenter la texture du bois.
"La Belle Oubliée". Travail en cours / Work in progress. 37 x 27 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Here is the third step of my work. Firstly, pale coloured layers made of Raw Sienna are painted on the figurehead. (See step 2.)
To define the feminine body curves as well as the pleated dress, I begin to work using the negative technique. As you see, I obtain a transparent result while I am mainly working with mineral and sedimentary colours. I have only added one staining pigment : Quinacridone Magenta (PR122). Indeed, it is a complete misconception to think that only transparent pigments are required for transparent watercolour paintings. Opaque, semi-opaque or semi-transparent pigments can provide a glowing and transparent result when they are properly used and diluted.
Finally, I add some details and splatter watercolour pigments to depict the wood texture.
> Last step.
09 avril 2009
Lavis à l'aquarelle / Watercolour washes
Un lavis est la dispersion de pigments d'aquarelle dans l'eau pour produire une zone de couleur uniforme, sans coup de pinceau visible. Au plus les particules de pigment sont petites, au plus elles seront mobiles. Les lavis à l'aquarelle sont souvent utilisés pour créer un fond total ou partiel ou encore pour couvrir une zone importante du tableau. Il existe plusieurs types de lavis, tels que listés ci-dessous :
A-plat (ou lavis uniforme) : l'à-plat est une couche de peinture fluide et transparente qui vise à produire une zone d'une seule et même couleur. Il ne comporte aucune variation allant de l'ombre à la lumière (aucun changement de valeur) et est uniforme. Le mot "à-plat" décrit son manque de profondeur. (Fig. 1)
Lavis dégradé : ce type de lavis varie généralement de la nuance la plus sombre à la plus claire d'une même couleur. En d'autres termes, sa valeur augmente ou s'affaiblit progressivement et confère une sensation de profondeur au tableau. Le lavis dégradé est réalisé en appliquant un pinceau chargé de pigment au sommet de la zone à travailler et en vidant progressivement l'outil de sa couleur au fur et à mesure que l'on peint. (Fig. 2)
Lavis bigarré (ou nuancé) : le lavis bigarré utilise plusieurs couleurs qui appartiennent à la même famille (comme par exemple, l'Outremer et le Céruléum pour un lavis nuancé de bleu) ou des couleurs différentes dans le but de produire un effet de glacis. (Fig. 3)
Fusion : ce type de lavis avancé est réalisé en utilisant 2 couleurs, ou plus, qui vont partiellement se fondre sur le papier. Lors d'une fusion réussie, on observe que les couleurs se sont mélangées entre elles sur certaines zones et ont conservé leur identité propre sur d'autres. Ceci produit une première couche picturale intéressante pour de nombreux sujets ainsi qu'un mélange de couleurs qui ne peut être obtenu lorsque les pigments sont mélangés préalablement sur la palette. (Fig. 4)
BIENTOT : une démonstration sur la technique de chaque lavis.
A wash is the dispersion of watercolour pigments in water in order to produce an area of colour without any visible brush stroke. The smaller the particles are, the most mobile they will be. Watercolour washes are often used to provide a total or partial background or to cover a large area. There are sereval types of watercolours washes, each one is listed below :
Flat wash : a fluid, transparent layer of paint that provides an evenly coloured area. It has none or very little variation from light to dark (no change in value) and its colour is uniform. The word "flat" is used to describe its lack of depth. (Fig. 1)
Graded wash : this kind of wash typically moves from dark to light. In other words, it increases or decreases in strength of value in order to provide a sensation of depth. The graded wash is achieved by starting a the top of the watercolour paper and moving down with lessening colour. (Fig. 2)
Layered wash : the layered wash uses different colours in the same family (as f.g. Ultramarine and Cerulean for a blue layered wash) or different colours in order to achieve a glazed effect. (Fig. 3)
Variegated wash : this advanced type of wash is made by using two or more colours that partly tend to flow together on the paper. In a finished variegated wash, the colours mix together in some areas an retain their own identity in others. This produces an interesting underpainting for many subjects by creating an unique blend of colours that cannot be obtained when the pigments are previously mixed on the palette. (Fig. 4)
SOON : a demonstration about how to achieve each of these washes.
05 avril 2009
La Belle Oubliée : WIP (2/4)
Vous pouvez voir ici le rendu final du fond marin bleuté dont le procédé de réalisation a été décrit au cours de l'étape 1.
Etape 2 : L'arrière-plan est peint avec le même mélange de bleus que celui utilisé pour le fond marin. A l'aide de mes pinceaux favoris (Angle Shader and Script, Série Expressiõn, Daler-Rowney) et d'autres outils, j'applique d'abord de la Terre de Sienne Naturelle, du Violet de Cobalt, le mélange bleu et, enfin, un soupçon de Magenta. Lorsque le papier est encore en stade mat-sec, j'ajoute quelques détails pour suggérer la texture du rocher envahi par les coraux.
Un premier lavis coloré à base de Terre de Sienne Naturelle et du mélange bleu est déposé sur la coque du bateau.
Vous pouvez déjà apercevoir le début de la troisième étape, de pâles lavis colorés sont appliqués sur la figure de proue mais ... patience ... la suite au prochain épisode !
> Etape 3.
"La Belle Oubliée". Travail en cours / Work in progress. 37 x 27 cm. 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.
Here, you can see the final result for the blue sea bed, for which the painting process is described on "step 1".
Step 2 : The background is painted with the same mix of blues tan those used for the sea bed. Using my favourite brushes (Angle Shader and Script, Expressiõn Series, Daler-Rowney) and other printing tools, I firstly apply Raw Sienna, Cobalt Violet, the blue mix and, finally, Magenta. When the paper is still damp, I add some details to suggest the texture of a rock overrun by corals.
A first layered wash is applied on the boat hull area with Raw Sienna and still the same blue mix.
You can see here the beginning of the third step, pale coloured layers are painted on the figurehead but ... let's see what comes next !
> Step 3.
