Walkonwater - Catherine De Ryck's Art Blog

Travail en cours : Pierres en Négatif / Work in progress : Stones in Negative

Catherine DR — Sun, 15 Nov 2009 11:30:00 GMT

Untitled. Travail en cours / Work in progress. 65 x 45 cm (25,6" x 17,7"). 2009. Toute reproduction, totale ou partielle, est strictement interdite. Any (total or partial) reproduction of this picture is strictly forbidden.

Je travaille actuellement un paysage de bord de mer à l'aquarelle. Voici quelques étapes de mon processus de travail. Pour représenter les pierres situées sur la plage, j'ai choisi d'alterner les techniques du Positif et du Négatif. En effet, cette association offre une multitude de possibilités de design et contribue à créer forme et profondeur. Elle améliore également l'apect réaliste du sujet et permet de belles variations de couleur, d'espace et de texture tout en gardant une part d'abstraction.

La technique du Négatif offre de nombreux avantages. Je vous invite à les découvrir en lisant cet article. Vous y trouverez également une petite vidéo qui illustre comment peindre les pierres en Négatif.

Morceaux choisis / Chosen pieces :

I am currently painting a marine landscape in watercolour. Here are some steps of my painting process. To depict the stones on the beach, I have chosen to alternate the Positive and Negative techniques. Indeed, this combination offers many possibilities of design and contributes to create depth and contour. This also improves the realistic look of the stones and enables nice variations of colour, space and texture while keeping some abstraction.

The Negative technique offers many advantages. I invite you to discover them by reading this article. You will also find a video that illustrates how to paint stones in Negative.

> Etape précédente / Previous step.

Les Avantages du Négatif en Aquarelle / The Advantages of Negative Space in Watercolour

Catherine DR — Wed, 11 Nov 2009 22:49:00 GMT

J'ai déjà abordé la notion de la Peinture en Négatif lors de précédents articles (Cliquez ICI pour une introduction à la technique du Négatif). Très simplement, l'utilisation de cette technique signifie que, pour représenter un sujet, l'artiste applique de la couleur autour de celui-ci et laisse apparaître des zones plus claires qui vont en préciser la forme. Le procédé semble difficile mais, avec le temps et la pratique, il ne s'avère pas plus compliqué que de peindre directement le sujet (peindre en positif). De plus, la Peinture en Négatif offre de nombreux advantages :

Premièrement, la peinture en négatif crée des zones claires qui offrent un certain espace libre au tableau et le laissent respirer ou, en d'autres mots, qui permettent au spectateur de voir ou imaginer ce qui n'apparaît pas directement.
Deuxièmement, la variété de formes et de tailles des éléments peints en négatif apportent de l'intérêt au tableau et ajoute une qualité de design qui confère à la fois direction et mouvement aux formes peintes en positif.
Ensuite, cette technique permet au peintre de travailler à l'aide d'aquarelle pure et transparente sans blancs ajoutés. En effet, en raison de sa nature opaque, la peinture blanche diminue l'intensité de la couleur et sa transparence. Le Négatif offre les passages de valeur les plus riches en termes d'intensité couleur et de luminosité.
Ce procédé implique aussi davantage de spontanéité que le recours à différents médiums pour aquarelle (fluide de masquage, ...)
De plus, lorsqu'un artiste peint en négatif, il utilise l'hémisphère droit de son cerveau. A cet instant, la coordination entre l'oeil et la main est à son paroxysme.
Enfin, travailler dès le départ en négatif permet à l'artiste de prendre des décisions globales ayant attrait au design au meilleur moment, c'est-à-dire dès le départ.

Cet exemple présente comment peindre des pierres en Négatif (2009)

This example shows how to paint stones using the Negative Technique (2009)

I already brought up the notion of Negative painting in previous articles (Please, click HERE for an introduction to the Negative space). Put simply, using this technique means that to depict an subject, the artist applies colour around it and leaves the light areas showing. These light areas will specify its shape. This painting-process seems arduous, but, with time and practice, is no more difficult than directly painting a subject (by using the positive technique). Moreover, Negative painting offers many advantages :

Firstly, negative painting creates blank areas that provide room to the painting and let it breathe or, in other words, that allow the viewer to see or imagine something that is not there.
Secondly, the variety of shapes and sizes in negative elements gives interest to the painting and adds a quality of design that confer direction and movement to the positive shapes.
Then, this technique enables the painter to paint with pure and transparent watercolour without added whites. Indeed, white paint deadens chroma and transparency when added to any colour because of its opaque nature. Negative painting offers the most chromatic and beautiful light value passages.
This process also implies more spontaneity than using several watercolour mediums (f.g. art masking fluid, ...)
Moreover, when an artist is painting negative shapes, he uses the right side of his brain. During this moment, his hand-eye coordination is at its best.
Finally, when dealing with negative shapes from the very beginning, the painter takes global design decisions at the best possible time : from the start.

DEGAS ... & la Danse / & the Dance

Catherine DR — Wed, 04 Nov 2009 10:15:00 GMT

Aucun artiste n'a jamais été autant associé à l'image de la danse que l'Impressionniste français Edgar DEGAS (1834-1917). Plus de la moitié de sa vaste production de tableaux, dessins et sculptures est consacrée à l'activité des danseuses de ballet ou des élèves en danse du Paris du 19^è siècle. DEGAS entretenait un lien étroit avec l'Opéra de Paris où, durant des années, il assistait aux représentations et aux leçons de ballet. A partir de 1872, grâce à Désiré DEHAU (un musicien de l'orchestre), l'artiste eut également accès aux salles de répétition et aux coulisses du magnifique Opéra Garnier dont il dépeignit l'atmosphère depuis son atelier de Montmartre. L'Ecole de Ballet, située "rue le Peletier", servit de sujet à son premier tableau intitulé "Le Foyer de la Danse à l'Opéra".

Le Foyer de la Danse à l'Opéra. 1872. Huile sur toile / Oil on canvas. 32 x 46 cm (12 1/2 x 18 in.). Musée d'Orsay, Paris (FRA).

Au cours de sa carrière, DEGAS créa plus d'un millier de tableaux dédiés à la danse. Il passait des heures à partager le quotidien de l'Opéra de Paris et accueillait des modèles dans son atelier. Celles-ci étaient pour la plupart des jeunes filles pauvres issues de la classe ouvrière, qui portaient le surnom de "petits-rats." L'artiste, issu lui-même d'une famille aisée, écrivit dans son journal : "C'est parmi les gens ordinaires que se trouve la grâce.". Il illustra le travail difficile qui se cachait derrière le "produit fini", représenta les ballerines qui s'entraînaient, s'échauffaient, s'étiraient et même celles qui attendaient avant de présenter un examen. Tout comme les danseuses qui pratiquaient sans cesse les mêmes corégraphies, DEGAS les dessinait encore et encore. Sa connaissance du monde du ballet était à ce point excellente qu'il était apte à corriger, sur papier, les mouvements des petits-rats si leur technique semblait imparfaite ...

Au début de son oeuvre, Degas situait ses danseuses dans un cadre bien précis mais à la fin de sa vie, préoccupé surtout de couleur, il accorda plus d’importance au costume et à la silhouette. Dans les dernières années, devenu presque aveugle, ce furent encore des figures de ballerines que ses doigts modelèrent.

La Classe de Danse / The Dancing Class. 1873-75. Huile sur toile / Oil on canvas. 85 x 75 cm (33 1/2 x 29 1/2 in.). Musée d'Orsay, Paris (FRA).

Les oeuvres de DEGAS étaient souvent controversées mais tous s'accordaient généralement sur leur qualité de dessin. "La Petite Danseuse de Quatorze Ans" (c. 1881) est une sculpture représentant une jeune élève de danse nommée Marie van Goethem. L'oeuvre est faite de cire, un choix de matériau assez inhabituel à l'époque, le personnage est vêtu de coton et d'un ruban dans les cheveux et se dresse sur une base en bois. Lorsque "La Petite Danseuse de Quatorze Ans" fut présentée à Paris lors de la Sixième Exposition Impressionniste de 1881, elle reçut un accueil mitigé. La majorité des critiques étaient choqués par la pièce, qu'ils qualifièrent même repoussante, alors que les autres la considéraient comme une "éclosion".

Ecole de Danse / Dance School. 1874. Huile sur toile / Oil on canvas. 48,3 x 62,5 cm (19 1/16 x 24 5/8 in.). Corcoran Gallery of Art, Washington (USA).

No artist has ever been more closely associated with images of dancers than the French Impressionist Edgar DEGAS (1834-1917). More than half of his vast output of paintings, drawings and sculptures is devoted to the activities of the ballet dancers and dance students of late 19^th-century Paris. DEGAS had an intimate connection to the Paris Opera, where for years he attended performances and watched ballet classes. From 1872, thanks to Désiré DEHAU (a musician of the orchestra), the artist also had access to the rehearsal rooms and backstage areas of the magnificent Palais Garnier Opera House. He depicted their dramatic atmosphere in his Montmartre studio. The Scool of Ballet, located "rue le Peletier", was the subject of his first painting : "Le Foyer de la Danse à l'Opéra".

Quatre Danseuses / Four Dancers. 1899. Huile sur toile / Oil on canvas. 151,1 x 180,2 cm (59 1/2 x 71 in.). National Gallery of Art, Washington DC (USA).

DEGAS created more than a thousand ballet pictures during his career. He spent hours behind the scenes at the Paris Opera and had dancers pose in his studio. Most of them were poor, working-class girls, hence the nickname "petits rats." The artist, himself from a wealthy family, wrote in his diary : "It is among the common people that you find grace.". He illustrated the hard work behind the "finished product", showing ballerinas rehearsing, warming up, stretching, and even waiting before an exam. Just as the dancers practiced the same positions over and over again, so did Degas draw them repeatedly. He had such an excellent knowledge of the world of ballet that he was able to correct, on the paper, the petite ballet rats's movements if they showed an imperfect technique...

In his early works, Degas set the dancers in a detailed background but, at the end of his life, he was mainly concerned with colour and gave more importance to dresses and figures. In his last years, nearly blind, his fingers were still modelling ballerina's figures.

La Petite Danseuse de Quatorze ans / Little Dancer of Fourteen Years. c. 1881. Sculpture (cire / wax). Hauteur / Height : 94 cm. National Gallery of Art, Washington DC (USA).

DEGAS's work was often controversed, but was generally admired for its draftsmanship. "Little Dancer of Fourteen Years" (c. 1881) is a sculpture of a young dance student named Marie van Goethem. The work is made from wax, an unusual choice of material for a sculpture of this time, dressed in a cotton skirt with a hair ribbon, sitting on a wooden base. When "Little Dancer of Fourteen Years" was shown in Paris at the Sixth Impressionist Exhibition of 1881, it received mixed reviews. The majority of critics were shocked by the piece while others saw in it a "blossoming".

En savoir plus / To learn more ...

Explore the "Dance Lesson" by Edgar DEGAS, a very interesting article provided by the National Gallery of Art (Washington DC).
Livre "Degas & la Danse" / Book "Degas & the Dance", by Richard Kendall & Jill DeVonyar. 303 pages. Editions de la Martinière (French) / Harry N. Abrams Editions (US English).
DVD "Degas & la Danse", Arte Video (French), 2006.

Second essai / Second try : Saint-Ives

Catherine DR — Fri, 30 Oct 2009 21:34:00 GMT

Vous souvenez-vous de cette aquarelle peinte au format carte postale, "Saint-Ives" ? J'ai choisi de m'accorder un second essai pour ce sujet, tout d'abord parce que j'affectionne énormément l'endroit et, deuxièmement, parce que je souhaite travailler à plus grande échelle. En effet, le format original mesurait seulement 15,5 x 10,5 cm et ne permettait pas énormément d'expérimentations couleurs et techniques. La taille de ce nouveau tableau est de 65 x 45 cm.

Sur la photographie ci-dessous, vous pouvez observer le dessin sur papier Arches (seuls les bateaux ont été définis de manière très succinte), la photographie originale, le premier essai à l'aquarelle ainsi qu'un carnet de notes. Etant donné que je n'utilise jamais de couleur directement sortie du tube, je me dois de retenir chacun de mes mélanges ... Mais la mémoire n'est pas faculté infaillible. J'ai donc pris le pli de consigner les étapes de mon processus de travail dans ce carnet, ainsi que chacune de mes observations au sujet du comportement des pigments et de leurs réactions une fois en contact les uns avec les autres. Cet outil précieux me permet également de me remémorer les problèmes auxquels je me suis trouvée confrontée ainsi que la manière dont je suis parvenue à les résoudre. Vous l'aurez compris, ces quelques pages constituent peut-être mon plus cher trésor ...

Do you remember this handpainted watercolour postcard, "Saint-Ives" ? I have decided to give a second try to this subject, firstly because I am fond of the place and, secondly, because I wish to work on a larger scale. Indeed, the original format was only 15,5 x 10,5 cm (6" x 4") and didn't allowed a lot of colour and technique experimentations. The size of this new painting is 65 x 45 cm (25,6" x 17,7").

On the picture above, you can observe the drawing on Arches paper (only the boats are briefly depicted), the original photograph, the handpainted watercolour postcard and a notebook. As I never use pigments directly from the tube, I must remember each of my watercolour mixings ... But memory is never infallible. So, I am used to record the steps of my painting processes in this notebook, as well as each of my observations about the pigments behaviour and their reactions once they come in contact with each other. This precious tool also enables me to recall the obstacles I was confronted with and how I found some ways to solve them. As you must have understand, these little pages are maybe my most valuable treasure ...

Aquarelle : LA VOIE DE L'EAU

Catherine DR — Tue, 27 Oct 2009 13:56:00 GMT

"Aquarelle : LA VOIE DE L'EAU", par Jean-Claude CHAILLOU. 127 pages, Fleurus. Français. Une édition livre + DVD est également disponible.

L'une des raisons pour lesquelles j'admire le travail de Jean-Claude Chaillou réside dans son utilisation de couleurs minérales et terres pour produire de magnifiques effets de précipitation des pigments. L'artiste est l'un des rares peintres européens qui ne limite pas l'aquarelle à une technique picturale liée à un médium. Il est également l'un des seuls à travailler d'après nature, que ce soit en plein air ou en atelier. Chacun de ses tableaux est élaboré dans de savantes compositions, imperceptibles au premier regard. Jean-Claude utilise la gouache extra-fine pour produire des oeuvres lumineuses car, dans un tableau, quel que soit le médium, la lumière est liée aux ombres. Pas d'ombre, pas de lumière. Voilà une méthode de travail, une vision et une approche de la technique de l'aquarelle que je partage.

Dans son livre, "Aquarelle, LA VOIE DE L'EAU", l'artiste nous livre les clés pour produire des aquarelles intéressantes, clés illustrées par de nombreux exemples et démonstrations étape par étape. Parmi celles-ci, il nous montre comment :

respecter et préserver la qualité du papier jusqu'à la fin du travail pictural,
faire ressentir le jeu avec l'eau,
faire ressentir le libre jeu des pigments de couleur sur le papier en fonction de leur nature propre,
faire oublier l'aspect technique, comme si l'oeuvre avait toujours été peinte. Le temps, les remords, les hésitations, les repentirs, ... sont une porte ouverte vers l'ennui.

Tous ces principes contribuent à créer une véritable aquarelle, celle dont chaque élément aura suivi "LA VOIE DE L'EAU".

"Une Aquarelle qui arrive à faire oublier qu’elle a été peinte est une œuvre véritable.
Pourquoi ? Parce qu’elle acquiert ce caractère d’éternité.
Là, réside une part de la magie de cet art qui, s’il n’est pas superbe, n'existe pas. Il ne suffit pas pour autant que l’aspect technique d’une aquarelle soit “irréprochable” pour que celle ci soit réussie, mais c'est une autre histoire." - J.-C. Chaillou

One of the reasons for which I admire Jean-Claude Chaillou's works resides in his use of mineral and earth colours to produce wonderful effects of pigments precipitation. The artist is one of the rare European painters who doesn't limit watercolour to a painting technique associated to a medium. He is also one of the only ones artists to work from nature, "en plein air" or in the studio. Each of is paintings is elaborated by means of clever compositions, which are imperceptible at first sight. Jean-Claude uses extra-fine gouache to achieve luminous works because, in a painting, light comes from the shadows whatever medium you choose. Here are a working method, a vision and an approach of the watercolour technique that I share.

In his book, "Aquarelle, LA VOIE DE L'EAU", the artist gives us some keys to produce interesting watercolours, keys that are illustrated by numerous examples and step-by-step demonstrations. Among these, he shows us how to :

respect and preserve the paper quality until the end of the painting process,
feel the play with water,
feel the free play of coloured pigments on the paper in function of their own nature,
forget the technical aspect, as if the work has always been painted. Time, remorses, hesitations, repentances, ... are an open door to boredom.

Each of these principles to achieve a "true" watercolour, the one from which each element followed "THE WATER'S WAY".